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Ragui Vega Curry

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27 de agosto de 2014

Conversación con un mago de la guitarra

Steve Khan es uno de los grandes guitarristas de la historia del Jazz, así reconocido en múltiples encuestas y sondeos. Admirado y querido por seguidores de varios estilos jazzísticos, como el “straight ahead”, la fusión y otros, Khan –nacido en Los Angeles en 1947 pero radicado hace años en Nueva York- le ha dado rienda suelta en sus más recientes grabaciones a su amor por el jazz latino. En esta reveladora entrevista, no solo habló sobre su más reciente álbum, “Subtext” –hecho en la onda latina, precisamente- sino también de toda su carrera y de las razones que dan vida a su arte, en el tono amable y jovial que caracteriza a este mago de la guitarra.

¿Quiénes fueron tus mentores? ¿Tus héroes de la guitarra, cuando empezabas?

Steve Khan - Al igual que para muchos músicos de mi generación, mis héroes eran Wes Montgomery, Kenny Burrell, Grant Green y Jim Hall. Esos cuatro fueron las influencias principales. De los músicos que vinieron después, como todo el mundo, amaba lo que estaban haciendo George Benson y Pat Martino. Pero cuando Larry Coryell llegó a la escena neoyorquina y apareció en el LP “Duster” de Gary Burton, se abrió todo un mundo nuevo para la guitarra de Jazz. Desde ese punto en adelante, pareció como que cualquierera posible. Y ahora, aquí estamos todos hoy. La guitarra de Jazz está en manos de algunos jóvenes músicos maravillosos y yo admiro a muchos de ellos.

Has tocado en varios estilos diferentes a lo largo de tu carrera, incluyendo fusión, “straight ahead” y con varias estrellas de pop y funk. ¿Qué te ha llevado en esta etapa al jazz latino?

SK -  Desde mi punto de vista, aunque nunca fue realmente una decisión consciente, parece que siempre he estado encaminado en esa dirección. Solo estaba dando pasos muy pequeños. [Se ríe]. En las notas que acompañan mi disco “Parting Shot” traté lo mejor que pude de explicar la progresión de eventos que me llevaron hacia esa grabación –que resultó ser la primera grabación puramente de jazz latino encabezada por un guitarrista en 50 años, desde que Grant Green grabó “The Latin Bit” para Blue Note en 1962. 

Con grabaciones como “Parting Shot” y “Subtext” has definido un concepto de jazz latino en guitarra que es únicamente tuyo. ¿Cómo llegaste a ese concepto?

SK – En primer lugar, gracias por el elogio. Creo que empecé a tener un sentido, un concepto, de lo que era posible hacer en guitarra en un contexto de jazz latino cuando simplifiqué el sonido de mi guitarra a prácticamente nada en 1981. Eso fue cuando Anthony Jackson, Steve Jordan, Manolo Badrena y yo formamos el grupo que se conoció como Eyewitness, aun cuando todos los álbumes aparecieron bajo mi nombre. ¡Nadie más estaba dispuesto a firmar el contrato, excepto yo! [Se ríe].

    Desde ese momento en adelante, ha sido un proceso de refinar mi acercamiento a la música e integrar el sonido que escuchaba en mi imaginación con las maneras en que mis compañeros en la banda estaban tocando. Hubo muchos momentos de grabación significativos a lo largo del camino, pero cuando grabamos “Parting Shot” en 2010, tenía el concepto más claro sobre cómo quería llevar mi visión a la realidad. A nivel sónico, a nivel de audio, esto tiene que incluir al brillante ingeniero de grabación James Farber. A lo largo de muchos años, había estado estudiando los diferentes conceptos de posicionamiento de la percusión latina en grabaciones, y llegué a una perspectiva que sentí que le daría el mayor aireespacio a todos los instrumentos, por así decirlo, y entonces permitirle a la guitarra ser la voz principal.

    Esto no es fácil, porque la gente tiende a ver la guitarra como un instrumento que tiene un tono realmente agudo, en términos de registro, como si fuese una flauta o algo así, pero en realidad su sonido  no es tan alto, para nada. En realidad es un instrumento con un tono bastante grave y puede confligir sónicamente con el bajo, la batería, la conga y los teclados, si están presentes. Así que esto dificulta el proceso de mezcla -¡siempre!!! No existe la mezcla de sonido perfecta- pero en nuestro caso, estamos haciendo lo mejor posible por representar adecuadamente a todos nuestros grandes músicos y sus contribuciones tan extraordinarias.

    Mi más sincera esperanza es que mis grabaciones puedan inspirar a algunos de los grandes guitarristas latinos a recorrer también este camino, pero que lo hagan a su manera –y tal vez mucho mejor de lo que yo jamás pudiera haberlo hecho. A fin de cuentas, ¡es su música!!!

Como mencionaste, “Parting Shot” fue la primera grabación de jazz latino dirigida por un guitarrista en 50 años. ¿Estabas consciente de eso cuando lo grabaste?

SK – En realidad, no pensé en esto sino hasta después de que el álbum estuvo completo y estaba escribiendo las notas explicativas. Me quedé en shock al ver que ya habían pasado 50 años desde el estreno de “The Latin Bit” de Grant Green, un álbum que me gustó tanto.

Frecuentemente incluyes composiciones de Monk, Ornette y Wayne Shorter en tus grabaciones. ¿Qué te atrae de ellos?

SK – Cada uno de estos legendarios músicos y compositores tenían una voz única e individual, una manera de tocar y de componer que hace que tocar su música sea fascinante y retante a la vez. Y no hay una sola manera correcta de hacerlo.

    Por supuesto, he estado grabando piezas de Monk desde 1980, con mi disco “Evidence”, grabado solamente a guitarra acústica y que incluye el “Thelonious Monk Medley”, de nueve canciones. ¡Me encanta el álbum “Rumba para Monk” de Jerry González y su Fort Apache Band, que pudiera tener las mejores interpretaciones que existan de la música de Monk al estilo latino!!!

    Me gusta también tratar de hacer cosas interesantes y únicas con las composiciones de Wayne Shorter – son tan maravillosas, siempre con un toque de misterio y aun de romance.

    Ornette escribe melodías increíblemente aptas para ser cantadas y eso hace que sus composiciones sean fáciles de interpretar con amor y cuidado. Pero, en contraste con lo que yo hago, amo totalmente la version funky e influenciada por el R&B que David Sanborn hizo de “Ramblin’”, una de las composiciones de Coleman. Es brillante.  ¡Y, claro está, Steve Jordan es el baterista!

La banda que toca en “Subtext” tiene una gran química y alegría. Por favor coméntanos sobre sus integrantes.

SK – El grupo básico que se unió para “Subtext” es muy especial para mí –pero no fue un viaje fácil y hubo un enorme paso en falso a lo largo del camino. Sin embargo, tener juntos a amigos nuevos y viejos, de hecho, mis profesores, Marc Quiñones, Bobby Allende y Rubén Rodríguez fue muy especial para mí. ¡Sus contribuciones fueron inmensas! Siempre me refiero a Marc como “el capitán del ritmo” –desde ese punto de vista, aunque puedo tener mis propios conceptos de lo que me gustaría ver que sucediera en esa área, confío plenamente en el instinto de Marc. Al final, todo es un esfuerzo colaborativo que abraza las ideas de todos.

    Dennis Chambers es uno de mis amigos más queridos y su presencia en este álbum es especialmente significativa, porque él sabe cómo ser fiel a sí mismo a la vez que acepta la dirección conceptual de Marc y Bobby. Pero Dennis le da a la música un centro ENORME, un “earthiness” que es algo que siento que necesito para realizar las cosas como las escucho. Puede que a los ojos de alguien su presencia haga que esto no sea jazz latino 100% “puro”, pero todo lo que he tratado de hacer se ha hecho con gran amor y respeto por el género y por todos sus proponentes, pasados y presentes.

En “Subtext” hay dos brillantes reinvenciones de baladas clásicas, “Infant Eyes” de Wayne Shorter y “Never Let Me Go” de Evans & Livingston. ¿Te llegaron de manera natural o querías experimentar un poco?

SK – Cuando llegamos a la etapa de grabación en sí, realmente no hay otro “experimento” que lo que podamos hacer allí en el estudio. Escuché que “Infant Eyes”, que grabé antes como una balada 4/4 en “Evidence” (1980), podía hacerse en un 6/8 afrocubano. Y en esta nueva versión, estamos tocando realmente, en un sentido rítmico, en todos los lados del 6/8. El gran sentido de romance de este tema se manifiesta en mis armonías, influenciadas por Clare Fischer, que el brillante Rob Mounsey orquestó para mí en la mayor parte de las secciones B de las piezas, así como en las entradas y salidas (“intro” y “outro”).

    “Never Let Me Go” fue el tema que elegí como la balada del disco, o el bolero, por lo mucho que me gusta esta canción. Me gusta de manera particular la interpretación de Shirley Horn. ¡Es una de las grandes canciones tristes, tristes, de todos los tiempos! Nuevamente, mi armonización aquí es un homenaje a las sonoridades de Clare Fischer, orquestadas, de nuevo, por Rob Mounsey. La presencia del “baby bass” de Rubén es sencillamente espectacular y tiene un sonido inmenso. Y el trabajo de Dennis con las escobillas añade el elemento de Jazz que me pone a mí en mi zona de confort.

“Subtext” también incluye un vallenato colombiano, “Cada gota de mar”, lo que es algo realmente inusual para una grabación de jazz latino. ¿Cuál fue su origen?

SK -  Entre 2007-09, tuve una maravillosa amistad con una hermosa mujer colombiana y pasé mucho tiempo tanto en Medellín como en Bogotá. Me enamoré de verdad del país, de su gente, su cultura, su comida y por supuesto, varias áreas de su especial música folklórica. Me encantó el vallenato del norte y eso me inspiró a intentar conocer su rica historia y su origen. En ese viaje, conocí a cantantes y compositores como Alejo Durán y otros. Entonces comprendí cómo Carlos Vives había tomado esta maravillosa música, le había puesto un “backbeat” de rock y otros elementos contemporáneos –y a nadie debe sorprender que se convirtiera en una estrella internacional, gracias a su visión.

   ¡Créanme o no, el impulso final para componer una canción en este estilo, utilizando los sonidos del vallenato con los ritmos de la cumbia, me lo dio la canción “La gringa”, de Silvestre Dangond, que me encanta!!! Así que, energizado por esa canción, traté de escribir una canción junto con Manolo Badrena, mi colaborador frecuente en ese tipo de aventuras musicales. Pero lamentablemente, esta vez no pudimos producir algo juntos.

    A través del guitarrista Leonardo Amuedo conocí, y me volví fanático de, la música de Mariana Ingold. Ella había estado componiendo música que, para mí, desafía cualquier categoría, aunque algunos quisieran ubicarla en el área de “cantos mundiales”. No creo que eso sea cierto, pero alguna gente necesita categorías para todo. Mas eso no es importante para mí. Conecté con su  voz, con sus talentos, y sus letras expresan algo de lo que yo me siento cercano. Mariana y yo, de hecho, nunca nos hemos conocido, ella está ahora de vuelta en su patria, Uruguay, y lo hicimos todo a través de Internet –incluyendo una conversación por Skype. Asistida por su novio y colaborador de muchos años, el artista del teclado Kit Walker, ella grabó su parte vocal ANTES de las sesiones de grabación en enero de este año 2014.

    Claro está, en la ciudad de Nueva York sabía que mi viejo y querido amigo Gil Goldstein sería la selección perfecta para el rol del acordeón y por darle un sentido de armonías de jazz a todo. Los acordes básicos son simples y consistentes con el género, pero yo extendí todas las armonías para que representen la manera en que yo escucho las cosas.

    Hasta la fecha la reacción de mis amigos colombianos ha sido maravillosa. ¡Por lo que estoy muy contento!!!

¿Cuáles son tus grabaciones favoritas de jazz y de salsa?

SK - ¡Dios mío!!! ¡Esa pregunta es imposible de contestar!!! Usualmente, los periodistas me preguntan los cinco o diez discos que me llevaría a una isla desierta. Y es imposible contestar esa pregunta con justicia. Si eligiera cinco en cada uno de esos géneros, imagina todo lo que dejaría fuera. Y entonces la gente pensaría que estoy loco o que soy estúpido.

    Yo atravieso fases, periodos de tiempo en los que puedo decirme a mí mismo, este álbum, ¡así es como suena el Jazz para mí!!! Entonces, a medida que pasa el tiempo, eso cambia. ¿Cómo podría dejar fuera algo del quinteto de Miles Davis? ¿Del cuarteto de Coltrane, el cuarteto de Ornette, el trío de Bill Evans? ¡No terminaríamos nunca!!! ¡Es una tarea imposible!!! A veces, siento que “Unity” de Larry Young es el mejor álbum que existe. A veces pienso que es “My Song” de Keith Jarrett. A veces pienso que es “Now He Sings, Now He Sobs” de Chick Corea. ¡Esto podría seguir hasta el infinito y me volvería loco en el intento!!!

    Sucede lo mismo con la Salsa. Estoy seguro de esto, le tengo temor al día en que se nos vaya el último de los grandes soneros, porque no sé qué le va a pasar a la música entonces. Sí, por supuesto, continuará, y siempre habrá jóvenes especiales que tomarán la antorcha y la llevarán adelante –pero no sé si el estilo de cantar será lo que era antes. ¡Atesoro el hecho de que aún puedo escuchar a gente como Oscar D'León y Gilberto Santa Rosa!

    He llegado a atesorar todas las grandes grabaciones de Fania, amo ese periodo –pero también amo la extraordinaria música que vino de Cuba antes. Es un tema eterno e infinito de estudio -¡especialmente para alguien como yo, que no soy latino!!!

¿Qué consejos les darías a los guitarristas jóvenes de jazz?

SK – Es difícil encapsular mis años de experiencia en unas pocas frases sabias, pero haré mi mejor intento.

    Primero que nada, les diría que sueñen EN GRANDE, que aspiran a lograr grandes cosas. ¡Con eso no quiero decir que sueñen con ser “una estrella” o el virtuoso más grande del mundo en la guitarra!!! Me refiero a que uno debe tratar de ser grande en algo. Para hacer eso, en mi opinión, uno tiene que REDUCIR SU ENFOQUE –no gastar sus energías por todas partes. Concentrarse en las cosas pequeñas, y esas cosas pequeñas se expandirán en un concepto más grande. Recordar que todo viene del TOQUE, cómo tocas tu instrumento –es el detalle más pequeño y también el más importante. No siempre se trata de qué guitarra estés tocando o todos los equipos (efectos y amplificadores) que puedas tener – ¡tu sonido viene de la manera en que las puntas de tus dedos tocan las cuerdas y los trastes!

    La otra cosa que siento que muchos músicos del mundo del Jazz no tienen es sentido del blues. Para mí, el Jazz y el blues siempre están interconectados. Ocuparse de lo abstracto nunca debe querer decir perder el sentido del blues. No estoy queriendo decir que debas sonar como Albert King -¡pero uno nunca debe desconectarse tanto de este parte crucial de la historia de esta música!!!

    Más allá de esto, tengo que compartir mi expresión favorita en español: “¡Lo barato sale caro!”. Lo que estoy tratando de decir es que, cuando vas a hacer algo, especialmente una grabación, si tratas de ahorrar dinero en las partes equivocadas, tu grabación va a sufrir grandemente ¡y va a sonar como que estabas tratando de ahorrar dinero!!! Tratar de hacer las cosas baratas puede matar lo que pudo haber sido un gran proyecto. ¡Busca maneras de hacer las cosas bien!!! ¡Tienes que creer que el dinero que puedas estar perdiendo en el presente lo recuperarás de alguna manera, en otro momento en tu vida!!! ¡Nada es más importante que aquello en lo que estás trabajando AHORA MISMO!!! ¡Solo existe el AHORA!!!

Algún comentario que desees añadir…

SK – Solo quiero agradecer a la buena gente de Puerto Rico por su continuo apoyo a lo que he estado haciendo. Aprecio eso muchísimo, así como esta oportunidad para, en cierto sentido, ¡hablarle directamente a la gente de la Isla del Encanto!!! 


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