No hace falta que se lo digan a Beyoncé: La moda, bien aplicada, es nada menos que arte.

Ahora, la superestrella de la moda tendrá otra oportunidad de demostrarlo. Cuando copresida la Gala del Met en mayo, todos los ojos estarán pegados a las escaleras del Museo Metropolitano de Arte para ver cómo una de las mujeres más vistas del planeta, en su octava aparición en una gala, interpreta el código de vestimenta: “La moda es arte”.

El museo anunció el lunes el código de vestimenta, junto con algunos detalles relacionados con la gala, como los nuevos nombres de los invitados. Junto a los copresidentes principales -Beyoncé, Nicole Kidman, la campeona de tenis Venus Williams y Anna Wintour, de Vogue- hay un “comité anfitrión” presidido por el diseñador Anthony Vaccarello y la cineasta Zoë Kravitz, y en el que figuran nombres como Sabrina Carpenter y Teyana Taylor, Lena Dunham y Misty Copeland. A ellos se suman la actriz Angela Bassett y la atleta Aimee Mullins.

Ellos, y todos los demás asistentes, tendrán que pensar qué ponerse el 4 de mayo. El código parece haber sido elegido para ofrecer la máxima flexibilidad. Y, bromea Andrew Bolton, conservador del Instituto del Traje del Met: “Esperemos que esto ponga fin de una vez por todas al obsoleto debate sobre si la moda es arte”.

Para Bolton, sin embargo, el espectáculo es lo más importante, parafraseando a Hamlet. Como bien saben los asistentes a la gala, la gran fiesta no sólo sirve para recaudar fondos para el instituto -un departamento que se autofinancia-, sino que es la plataforma de lanzamiento de la exposición anual de moda de primavera. Comisariada por Bolton y su equipo, la muestra de este año, “Costume Art”, pretende presentar la moda como una línea que atraviesa toda la historia del arte.

La exposición será la mayor, en cuanto a objetos, que haya hecho nunca el instituto: casi 400 en total, es decir, 200 prendas y 200 obras de arte de todo el museo, colocadas por parejas. “Es una bestia”, dijo Bolton, que parecía un poco agotado mientras guiaba a un periodista por los inicios de la exposición en una visita reciente.

La idea, señala, es examinar “el cuerpo vestido” en todos sus aspectos, y dejar claro que no sólo la moda es arte -algo que ya han demostrado anteriores exposiciones-, sino que el arte es moda. “Es invertir lo que hemos hecho antes”, afirma Bolton. “Ahora miramos el arte a través de el lente de la moda”.

En la práctica, esto significa que se puede ver un objeto de arte en una vitrina, por ejemplo, un jarrón de la antigua Grecia. Encima de la vitrina se expondrá una prenda de la vasta colección de trajes del museo, que reflejará la moda de las figuras del jarrón.

Ahora mismo, ese jarrón está representado por una pequeña instantánea en color, pegada con docenas de otras a las paredes de una pequeña sala de conferencias en las entrañas del museo, junto con innumerables notas Post-it. Bolton ha pasado mucho tiempo en este espacio, que parece más bien la habitación de un adolescente (aunque un adolescente muy culto).

Bolton recorre las paredes señalando cada una de las 12 secciones organizadas para mostrar la variedad de cuerpos -y tipos de cuerpos- en el arte. Algunos son omnipresentes, como el cuerpo clásico o el cuerpo desnudo.

Otros se han pasado por alto, como el cuerpo discapacitado, el cuerpo envejecido o el cuerpo corpulento. Bolton señala que en el arte, el cuerpo corpulento se ha utilizado casi exclusivamente como símbolo de fertilidad. “Es como la idea de que la corpulencia no existe sin la fertilidad”, afirma.

Luego está el cuerpo de la embarazada, también muy ignorado en la historia del arte y de la moda. Está representado aquí por la combinación de “Mujer embarazada” de Edgar Degas, una escultura naturalista que ofrece una visión poco frecuente de la maternidad en el siglo XIX, con el vestido de 1986 de la diseñadora Georgina Godley, de exageradas curvas acolchadas, definido como “una crítica feminista radical” de la moda tradicional.

La exposición, que pretende destacar la diversidad de tipos de cuerpo, también pretende que los espectadores puedan verse a sí mismos en algunas de las modas. Así, los maniquíes presentarán cabezas con superficies de acero pulido -como en los espejos- diseñadas por el artista Samar Hejazi.

Bolton, que ha comisariado las mayores exposiciones de trajes del Met, dice no obstante que aquí sintió una presión especial para hacer “algo espectacular”. Y es que “Costume Art” inaugura, a bombo y platillo, una nueva y destacada sede para las exposiciones de moda del museo. Las nuevas Galerías Conde M. Nast -creadas a partir de lo que antes era la tienda del museo- ocuparán casi 12,000 pies cuadrados del Gran Hall del museo.

Por un lado, esto significa que los invitados a la gala podrán ver cómodamente la exposición y después ir a cenar al Templo de Dendur, o alternar entre ambas actividades. Un resultado más duradero: evitará colas en otras partes del museo, una vez que la exposición se abra al público el 10 de mayo.

Para “Costume Art”, las galerías, que aún se están terminando, constan de dos salas principales con alturas diferentes: una con un techo de 18 pies y otra de 9 pies. La idea es que los espectadores entren y salgan de cada espacio. “Hay permeabilidad”, dice Bolton.

Para él, el nuevo programa es ya uno de los momentos culminantes de su carrera, y toda una declaración de intenciones.

“Intentamos dejar claro que esto es algo que NOSOTROS podemos hacer en el Met”, explica. “Tenemos acceso a 16 departamentos curatoriales de todo el museo”. Y, por supuesto, acceso a las más de 33,000 prendas del instituto. “Realmente, nadie más tiene esta capacidad”, afirma Bolton.

Espera que la exposición inaugure no sólo nuevas galerías, sino una era de colaboración con el resto del museo, que ponga la moda, bueno, por delante.

Esta historia fue traducida del inglés al español con una herramienta de inteligencia artificial y fue revisada por un editor antes de su publicación.