Entre las 30 casas que se presentaron en la Semana de la Alta Costura de París, cinco de las cuales desfilaban por primera vez, los diseñadores desnudaron el cuerpo y lo hicieron desaparecer.

Se refugiaron en la fantasía mientras una ola de calor azotaba la ciudad, y recurrieron a tecnología como aceleradores de partículas y seda cultivada en laboratorio, al tiempo que insistían en que la alta costura sigue perteneciendo a la mano humana.

La alta costura —prendas hechas a mano y a medida que pueden costar tanto como una casa y que solo llegan a unos pocos cientos de clientes en todo el mundo— es el laboratorio de la industria y su mejor reclamo, un aura para los perfumes, los bolsos y el prêt-à-porter que pagan las facturas.

Este año cobra más importancia que de costumbre: el sector del lujo está saliendo a duras penas de una crisis de dos años, y las principales casas apuestan por diseñadores recién incorporados —Pierpaolo Piccioli en Balenciaga, Jonathan Anderson en Dior, Matthieu Blazy en Chanel y Silvana Armani en Armani Privé— para darle un nuevo impulso.

Bad Bunny y Vera Wang inauguraron el desfile de famosos en Schiaparelli. Mientras que Cate Blanchett estuvo en Armani Privé, al tiempo que Pedro Pascal y Tilda Swinton ocuparon la primera fila en Chanel, y Cynthia Erivo y Demi Moore en Balenciaga.

La primera pregunta era qué podía hacer la alta costura con la figura: exponerla, blindarla, inflarla o hacerla desaparecer.

Silvana Armani, que presentó su segunda colección de Armani Privé desde que falleciera su tío Giorgio el pasado mes de septiembre, tituló el desfile “Boudoir”, pero evitó lo obvio.

En lugar de sumarse a la tendencia de lo transparente en todo, jugó con el contraste entre lo que se cubre y lo que se revela: bodys bordados bajo chaquetas de esmoquin, una chaqueta bomber con cremallera en el dobladillo que dejaba al descubierto una franja del abdomen, estampados animales atenuados hasta que se percibían solo como textura.

Con 57 looks —aproximadamente la mitad de lo que solía presentar el fundador—, fue la propuesta más discreta de la semana en cuanto a la piel. Blanchett ya lo dejó claro nada más llegar, con un traje de terciopelo de escote pronunciado junto a Lou Doillon, Rosamund Pike y Anna Wintour.

Daniel Roseberry fue más allá en el desfile de Schiaparelli en el Petit Palais, bajo el título “The Abiss”.

Con 57 looks —aproximadamente la mitad de lo que solía presentar el fundador—, fue la propuesta más discreta de la semana en cuanto a la piel. Blanchett ya lo dejó claro nada más llegar, con un traje de terciopelo de escote pronunciado junto a Lou Doillon, Rosamund Pike y Anna Wintour.

Daniel Roseberry fue más allá en el desfile de Schiaparelli en el Petit Palais, bajo el título “The Abiss”.

Trató la piel como materia prima: corsés moldeados en torsos realistas, branquias de silicona en una espalda desnuda, una chaqueta de látex provista de tentáculos inflables.

Las técnicas procedían de un taller que fabrica niños de silicona realistas para películas en las que está prohibido utilizar recién nacidos de verdad.

Las modelos desfilaron por una pasarela en la que incluso el look más bonito —un vestido de gala adornado con perlas de color rosa masilla— desprendía un aire amenazador.

Piccioli e Iris van Herpen fueron más allá, borrando el cuerpo por completo.

En Balenciaga, esto se tradujo en escaneos corporales en 3D para crear nuevos maniquíes, cuero y cashmere moldeados a mano, y volúmenes tan inflados que la persona que los llevaba se convertía en un mero contorno, desde tejidos gazar con dobladillos en forma de globo hasta un vestido sin tirantes con 24,150 tiras de gazar.

Van Herpen disolvió la figura en unas 30,000 cuentas de cristal soplado a mano sobre tul transparente.

La segunda obsesión fue la fantasía. Los desfiles se desarrollaron en el contexto de un conflicto en Oriente Medio, mercados inestables y la ola de calor.

Elie Saab organizó un baile de máscaras, inspirándose en la fiesta en blanco y negro de Truman Capote de 1966 y el glamour del viejo Hollywood de Elizabeth Taylor y Richard Burton.

Mientras los compradores de lujo se inclinan por la ropa informal, Saab impulsó la dirección opuesta con vestidos de terciopelo con corsé, cinturas New Look, esmóquines y capas diseñadas tanto para mujeres como para hombres, como parte de una línea de ropa masculina que la casa está ampliando.

Zuhair Murad llevó la fantasía a un jardín más oscuro, con rosas de terciopelo, alondras nocturnas, mariposas y capas de plumas que se movían entre verde intenso, burdeos y negro.

Stéphane Rolland transformó el ambiente en un escenario de luto.

Presentó su desfile en el Olympia, el auditorio parisino donde actuó Dalida, y vistió la colección casi por completo de blanco en homenaje a la cantante casi cuatro décadas después de su muerte: macramé de satén, plumas de avestruz, ágata y diamantes.

En Chanel, Blazy transformó el Grand Palais en un cuento de hadas: tallos de judías que emergían del suelo, tacones con forma de vainas de guisantes y huevos dorados.

En Dior, Anderson creó una fantasía escultórica inspirada en la artista estadounidense Lynda Benglis: sombreros plisados, abanicos transparentes con borlas y un vestido de novia que culminaba con delicadas hojas plumosas.

La tercera preocupación fue la tecnología: qué sobrevive de lo artesanal en una era donde el software puede generar cualquier imagen.

Schiaparelli defendió la idea a través de los materiales mismos: escamas de pescado horneadas, charcos de pintura incrustados en láminas y silicona moldeada a mano; una colección que se interpretó como un alegato a favor de lo artesanal frente a lo industrial.

Van Herpen fue literal. Pasó un vestido por un acelerador de partículas, lo congeló y planeó que la modelo lanzara un rayo en la pasarela.

La carga se filtró antes de tiempo, creando ramificaciones quemándose en la tela antes del desfile.

Balenciaga combinó la seda Amsilk cultivada en laboratorio, que según la casa es más resistente que el acero, con su lazo blanco, totalmente artesanal, para cerrar el desfile.

Para el jueves, la tendencia era clara: la alta costura de 2026 buscaba lo imposible: un cuerpo sin cuerpo, fantasía con propósito comercial y máquinas que aún se sometían al trabajo manual.